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El ‘doodle’ de Google ~Sergei Eisenstein 🎬🎥

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Sergei Eisenstein ocupa un lugar de honor en la historia del cine por su audacia narrativa y sus innovadores montajes. Su talento le convirtió en el gran propagandista de la Revolución soviética en la gran pantalla, pero ello no impidió que años después cayera en desgracia a ojos de Stalin. Este lunes, 22 de enero, se cumple el 120 aniversario de su nacimiento, por lo que Google le rinde homenaje con un ‘doodle‘.

Sergei Eisenstein (Riga, 1898 – Moscú, 1948) empezó como director de teatro, pero a los 25 años quedó decepcionado por la puesta en escena de una de sus obras. A causa de ello, decidió reorientar su carrera y centrarse en el cine.

El director ruso fue un pionero en el uso del montaje para transmitir emociones a los espectadores, con unas técnicas de gran influencia en varios cineastas de Hollywood. Sus obras evitaban el individualismo para dar importancia a la sociedad en su conjunto, por lo que a menudo ni siquiera contaba en sus películas con actores profesionales.

Perfeccionista hasta la médula, su descontento con su primera gran obra, ‘La huelga’ (1924), le llevó a hacerse con la única copia que había del filme y evitar su distribución hasta después de su muerte, según detalla su entrada en la Wikipedia.

La revolución de ‘El acorazado Potemkin’ 

En 1925 Sergei Eisenstein rodó ‘El acorazado Potemkin’, hito de la historia del cine que le dio fama mundial. La cinta recrea el motín ocurrido en el barco homónimo en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra sus oficiales de la Armada.

‘El acorazado Potemkin’ es una de las películas más estudiadas en las escuelas de cine por sus revolucionarias técnicas de montaje. Destaca la escena de la escalinata, en la que el pueblo es agredido sin piedad por las fuerzas zaristas.

Sergei Eisenstein, Iósif Stalin y ‘Octubre’

Su talento no pasó desapercibido para Iósif Stalin, que entonces ya era secretario general del Partido Comunista de la Unión Soviética. Consciente del poder del cine como medio de propaganda, el jerarca maniobró para que Sergei Eisenstein dirigiera una película conmemorativa del 10º aniversario de la Revolución rusa.

El resultado de la voluntad de Stalin fue ‘Octubre’ (1927), máxima expresión del montaje dialéctico y los experimentos vanguardistas de Eisenstein. El filme, costeado por el Gobierno de Moscú, también está considerado un icono de la modernidad del cine soviético.

Mala experiencia en EEUU y México

En 1930 el maestro del cine se mudó a Estados Unidos. Fue recibido como un genio en Nueva York y firmó un jugoso contrato para rodar en Hollywood, pero el anticomunismo imperante en el país fue un lastre demasiado pesado para Eisenstein.

El director ruso llegó incluso a probar suerte en México. Allí intentó producir el filme ‘¡Que viva México!’, proyecto que tuvo que dejar inacabado después de haber rodado 60.000 metros de película.

Censurado en la URSS

El cúmulo de decepciones llevó a Sergei Eisenstein a regresar a la URSS, pero en su país tampoco fue recibido con los brazos abiertos. Su estancia en EEUU le convirtió en un sospechoso para Stalin, por lo que sus dos siguientes películas fueron censuradas.

El cineasta pareció recuperar los favores del régimen comunista con ‘Alejandro Nevski‘ (1938), epopeya patriótica por la que recibió el Premio Stalin. Ese aliento le sirvió para proyectar la trilogía ‘Iván el Terrible’, basada en la figura del zar Iván IV.

Caída en desgracia con ‘Iván el Terrible’

El primer capítulo de la trilogía fue bien acogido, hasta el punto de obtener otro premio en la URSS. Sin embargo, la segunda y la tercera parte fueron prohibidas. El descarnado retrato de Iván el Terrible como un tirano cruel y desquiciado fue interpretado por las altas esferas del régimen como una crítica al todopoderoso Stalin, lo que supuso la definitiva caída en desgracia de Sergei Eisenstein.

El duro varapalo hundió al cineasta, que murió en 1948 a los 50 años debido a una terrible hemorragia tras un infarto.

elperiodico.com

 

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14 cosas que no sabías de la película Coco (2017)

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1. Vivir en México

La producción de COCO pasó más de 3 años visitando mercados, plazas, talleres, iglesias, haciendas y cementerios en México para empaparse en la cultura y el verdadero significado e importancia de Día de los Muertos.

2. La Tierra de los Muertos

La tierra de los muertos es una ciudad edificada de abajo hacia arriba. La base tiene construcciones prehispánicas y conforme la ciudad crece hacia arriba, las casas van siendo más modernas. Además se puede ver un gran parecido con Mixquic, lugar de la tradición del Día de Muertos por excelencia.

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3. Los lugares son reales

Es posible que no lo hayas notado, pero son varios los lugares reales que fueron inspiración para la película de Coco, entre ellos está San Andrés Mixquic, la Ciudad de México que sirvió de inspiración para el panteón de Santa Cecilia, en donde varias de las tumbas fueron tomadas de panteones reales en Pátzcuaro, Michoacán. Quizá nunca hayas visitado la tumba de Pedro Infante, pero la tumba de Ernesto de la Cruz que aparece en la película, es una réplica de la del cantante mexicano.

La iglesia de una torre de Santa Cecilia fue inspirada en la de San Juan Paricutín y la plaza del pueblo en la Plaza del Ropero de Guanajuato, en la que existe una escultura de Jorge Negrete, muy similar a la de Ernesto de la Cruz en la película.

Cuando Miguel entra en el mundo de los muertos, claramente se ven las pirámides de Teotihuacán y las calles de Guanajuato.

4. ¿Quién es Ernesto de la Cruz?

¿Se te hizo muy familiar en el personaje Ernesto de la Cruz?, pues no te equivocaste, este personaje está inspirado en los grandes cantantes mexicanos Pedro Infante y Jorge Negrete. Incluso en la grabación de las películas en donde de la Cruz actuaba, asemejan al estilo del Cine de oro de los 50s.

5. Personajes de la cultura mexicana

La película está inspirada en las tradiciones mexicanas. Quizá no lo notaste pero en Coco podemos ver diversas personalidades emblemáticas de la historia de México como: Frida Kahlo, Pedro Infante, Jorge Negrete, El Santo, María Félix, Cantinflas y hasta el revolucionario Emiliano Zapata.

6. La flor de Cempasúchil

En la Tierra de los muertos, la flor de cempasúchil es la única especie vegetal que existe. Como la tradición lo indica, es la que representa el puente entre el mundo de los vivos y el más allá, además de tener el poder de regresar a Miguel al mundo de los vivos.

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7. El xoloitzcuintle

Dante, que es el fiel compañero de Miguel, representa en la película la leyenda que vincula a su raza con Mictlán. En la cultura prehispánica se creía que ese perrito ayudaría a las almas a cruzar el río Chiconauhuapan, el último paso para llegar al Mictlán, el inframundo para los mexicas.

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8. ¿Cuántas luces se usaron para el mundo de los muertos?

No podemos negar lo hermoso e iluminado que lucía el mundo de los muertos y esto fue gracias a que los animadores utilizaron más de siete millones de luces.

9. En Brasil se llama VIVA

Coco llevará a todo el mundo la tradicional celebración del Día de Muertos, pero Brasil es el único país en donde se le cambió el nombre a “Viva”, debido a que Coco podría ser confundido con “cocô“, lo cual significa “caca”, un pésimo nombre para su protagonista.

10. Un gran disco

El disco del soundtrack de la película debutó como el más vendido después de su lanzamiento. Artistas como: Bronco, Marco Antonio Solis, Natalia Lafourcade, Camilo Lara, Jorge Blanco y Carlos Rivera son algunas de las estrellas que lo conforman.

11. Personajes de Pixar escondidos

Luego de la investigación exhaustiva de la producción de Pixar sobre las tradiciones mexicanas, se dieron cuenta de que en México hay muchos puestos de piñatas, por lo que en Coco decidieron incluir a Woody, Buzz y Mike Wazowski en las piñatas de un puesto de Santa Cecilia, pueblito de Miguel.

12. Día de muertos vs Coco

El título original de la película era “Día de Muertos”, pero Disney Pixar recibió una serie de críticas en las que la acusaban de querer formar una marca con la tradición mexicana.

El director Lee Unkrich explicó que “nunca hubo un esfuerzo consciente de registrar una tradición, porque eso era una locura, y jamás tratarían de hacer eso”. Por esta razón se decidió nombrar a la película Coco, cómo la bisabuela de Miguel, Socorro.

13. Una tradición que cualquiera quisiera tener

Un dato curioso fue que la producción de Disney Pixar quedó tan fascinada con la tradición mexicana del Día de Muertos que decidieron adoptarla y armaron una tradicional ofrenda en sus oficinas con fotografías, las famosas flores de cempasúchil y hasta veladoras, ¿te agrada su ofrenda?

14. Los directores

Adrian Molina, co-director de Coco señaló que le gustaría que al terminar de ver la película, la gente tenga el deseo de hacer dos cosas: aprender a tocar un instrumento musical y llamarle a sus papás, abuelos y demás para pedirles que les cuenten sobre sus ancestros e ir conociendo más de su pasado y de toda su familia.

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Fuente

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El Papa Francisco hará de si mismo en la película “Beyond the Sun” (2017)

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Por primera vez en la historia del cine, el líder de la Iglesia Católica en todo el mundo intepretará a sí mismo en la pantalla grande. El Papa Francisco aparecerá en la película de aventuras de la familia Beyond The Sun de AMBI Pictures . El casting se produjo después de que el Papa pidió a los realizadores hacer una película para niños que comunique el mensaje de Jesús. Todas las ganancias de la película basada en la fe serán donados a dos organizaciones benéficas, El Almendro y Los Hogares de Cristo, que ayudan a los niños en situación de riesgo y adultos jóvenes que necesitan, y se encuentran en Argentina, país de origen Francisco.

“Más allá del Sol” es un cuento moderno de esperanza, fe y coraje basado en historias de la Biblia. “Beyond the Sun” será una historia de aventuras infantiles donde un grupo de niños superará obstáculos del desierto mientras busca a Dios en el mundo que los rodea. Esta historia edificante tiene la intención de comprometerse espiritualmente y animar a las audiencias de todas las edades a vivir su mejor vida, hacer buenas elecciones y ayudar a los demás.

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The winner is … #Oscars2017

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Mejor Actor Secundario

Mahershala Ali, Moonlight, Ganador
Jeff Bridges, Hell or High Water
Lucas Hedges, Manchester by the Sea
Dev Patel, Lion
Michael Shannon, Nocturnal Animals

Mejor Maquillaje y peinado

Star Trek Beyond, S. Anne Carroll and Joel Harlow
A Man Called Ove, Love Larson and Eva Con Bahr
Suicide Squad, Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini and Christopher Nelson, Ganadora

Mejor Diseño de Vestuario

Allied, Joanna Johnston
Fantastic Beasts and Where to Find Them, Colleen Atwood, Ganadora
Florence Foster Jenkins, Consolata Boyle
Jackie, Madeline Fontaine
La La Land, Mary Zophres

Mejor Documental

Fire at Sea
I Am Not Your Negro
Life, Animated
O.J.: Made in America, Ganador
13th

Mejor Edición de sonido

Arrival, Ganadora
Deepwater Horizon
Hacksaw Ridge
La La Land
Sully

Mejor Mezcla de Sonido

Arrival
Hacksaw Ridge, Ganadora
La La Land
Rogue One: A Star Wars Story
13 Hours

Mejor Actriz Secundaria

Viola Davis, Fences, Ganadora
Naomie Harris, Moonlight
Nicole Kidman, Lion
Octavia Spencer, Hidden Figures
Michelle Williams, Manchester by the Sea

Mejor Película en Lengua Extranjera

Land of Mine, Denmark, Martin Zandvliet, director
A Man Called Ove, Sweden, Hannes Holm, director
The Salesman, Iran, Asghar Farhadi, director, Ganadora
Tanna, Australia, Bentley Dean, Martin Butler, directors
Toni Erdmann, Germany, Maren Ade, director

Mejor Corto animado

Blind Vaysha
Borrowed Time
Pear Cider and Cigarettes Robert Valley y Cara Speller
Pearl Patrick Osborne
Piper, Ganador

Mejor película animada

Zootopia, Ganadora
Kubo and the Two Strings
Moana
The Red Turtle
My Life as a Zucchini

Mejor Diseño de Producción

Patrice Vermette, Arrival
Stuart Craig, Fantastic Beasts and Where to Find Them
Hail, Caesar!
Sandy Reynolds-Wasco and David Wasco, La La Land, Ganadora
Guy Hendrix Dyas, Passengers

Mejores efectos visuales

The Jungle Book, Ganadora
Rogue One: A Star Wars Story
Deepwater Horizon
Doctor Strange
Kubo and the Two Strings

Mejor Edición
Arrival
Hacksaw Ridge, Ganadora
Hell or High Water
La la land
Moonlight

Mejor Corto Documental

4.1 Miles, University of California, Berkeley
Extremis, f/8 Filmworks in association with Motto Pictures
Joe’s Violin, Lucky Two Productions
Watani: My Homeland, ITN Productions
The White Helmets, Grain Media and Violet Films, Ganadora

Mejor cortometraje de acción real

Timecode
Sing, Ganador
Silent Nights
Enemies Within
The Railroad Lady

Mejor Cinematografía

Bradford Young, Arrival
Linus Sandgren, La La Land, Ganadora
Grieg Fraser, Lion, Grieg Fraser
James Laxton, Moonlight
Rodrigo Prieto, Silence

Mejor Banda Sonora

Jackie, Micachu
La La Land, Justin Hurwitz, Ganador
Lion, Dustin O’Halloran, Hauschka
Moonlight, Nicholas Britell
Passengers, Thomas Newman

Mejor Canción Original

“Audition,” La La Land
“Can’t Stop the Feeling!,” Trolls
“City of Stars,” La La Land, Ganadora
“The Empty Chair,” Jim: The James Foley Story
“How Far I’ll Go,” Moana

Mejor Guión Original

Taylor Sheridan, Hell or High Water
Damien Chazelle, La La Land
Yorgos Lanthimos and Efthymis Filippou, The Lobster
Kenneth Lonergan, Manchester by the Sea, Ganadora
Mike Mills, 20th Century Women

Mejor Guión Adaptado

Arrival
Hidden Figures
Fences
Lion
Moonlight, ganadora

Mejor Director

Damien Chazelle, La, la, land, Ganador
Barry Jenkins, Moonlight
Denis Villeneuve, Arrival
Kenneth Lonergan, Manchester by the Sea
Mel Gibson, Hacksaw Ridge

Mejor Actor

Casey Affleck, Manchester by the Sea, Ganador
Andrew Garfield, Hacksaw Ridge
Ryan Gosling, La La Land
Viggo Mortensen, Captain Fantastic
Denzel Washington, Fences

Mejor Actriz

Isabelle Huppert, Elle
Ruth Negga, Loving
Emma Stone, La La Land, Ganadora
Natalie Portman, Jackie
Meryl Streep, Florence Foster Jenkins

Mejor Película

Arrival
Fences
Hacksaw Ridge
Hell or High Water
Hidden Figures
La La Land
Lion
Manchester By the Sea
Moonlight, Ganadora

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The Ring 3 ~La Señal 3 (2017)

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La película se sitúa 13 años después de los acontecimientos de los primeros capítulos de la saga de terror.

Julia (Matilda Lutz) preocupada por su novio, Holt (Alex Roe) quien explora la leyenda urbana de una misteriosa cinta de vídeo que asegura matar a quien la vea después de siete días. Ella se sacrifica para salvar a su novio y al hacerlo, hace un terrible descubrimiento: Hay una ´´película dentro de la película´´ que nadie ha visto nunca antes.

La primera versión de la saga en su salto al mercado de Hollywood fue dirigida por Gore Verbinksi en el año 2002. Con un gran éxito y abriendo el filón para las adaptaciones de Hollywood de grandes películas de terror japonés. Un fenómeno cinematográfico que terminó ´´quemándose´´ varios años después por la saturación del género. En aquella ocasión vimos a Naomi Watts en uno de los papeles principales.

En esta ocasión no podemos ver a Naomi Watts, quien formó parte del elenco en su versión de Hollywood. Si bien queda por ver el modo en el que se comportará en la taquilla internacional. Quedando todo abierto de cara a la continuación de la franquicia.

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Tyrus Wong, artista de ‘Bambi’ muere a los 106 años

Cuando “Bambi” de Walt Disney  abrió sus puertas en 1942, los críticos elogiaron su estilo visual, muy diferente a todo lo que Disney había hecho antes.

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Pero lo que no sabían era que la aparición llamativa de la película había sido creada por un artista inmigrante chino, que tomó como inspiración los paisajes de la dinastía Song. El alcance de su contribución a “Bambi”, que sigue siendo una marca de agua para la animación cinematográfica, no sería ampliamente conocida durante décadas.

Al igual que el personaje del título de la película, el artista, Tyrus Wong, resistido irrevocable separación de su madre – y, con la esperanza de hacer una vida en América, el encarcelamiento, el aislamiento y el interrogatorio riguroso – todo cuando todavía era un niño.

En los años que siguieron, sufrió la pobreza, la discriminación y la falta crónica de reconocimiento, no sólo por su trabajo en Disney, sino también por su arte, antes de encontrar aclamación en sus 90s.

El Sr. Wong murió el viernes a las 106. Artista de Hollywood, pintor, grabador, calígrafo, ilustrador de tarjetas de felicitación y, en años posteriores, fabricante de cometas fantásticos, fue uno de los más célebres artistas chino-americanos del siglo XX .

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Pero debido a la marginación a la cual los asiático-americanos eran sujetos, él pasó buena parte de su carrera desconocida al público en general.

El reconocimiento artístico, cuando el Sr. Wong lo encontró, era aún más notable por el hecho de que entre los hombres inmigrantes chinos de su generación, las perspectivas profesionales se limitaban en gran medida a los trabajos menores como el de la casa y el lavadero.

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El Sr. Wong pasó dos años pintando las ilustraciones que informarían cada aspecto de “Bambi”. Su influencia es inconfundible en la película terminada. Crédito Walt Disney Productions

Formado como pintor, el Sr. Wong fue una figura destacada en el movimiento modernista que floreció en California entre la primera y segunda guerras mundiales. En 1932 y otra vez en 1934, su trabajo fue incluido en las demostraciones del grupo en el instituto del arte de Chicago que también ofreció Picasso, Matisse y Paul Klee.

Como artista staff para los estudios de Hollywood de los años 30 a los años 60, dibujó storyboards y pinturas vibrantes, tan detalladas como cualquier ilustración arquitectónica, que ayudaron al director a imaginar cada escena antes de que fuera tirada.

A lo largo de los años, su obra informó sobre la aparición de imágenes animadas para Disney y películas de acción en vivo para Warner Brothers y otros estudios, entre ellos “Las arenas de Iwo Jima” (1949), “Rebelde sin causa” (1955) y “The Wild Bunch “(1969).

Pero de las decenas de películas en las que trabajó, fue para “Bambi” que el Sr. Wong fue – con retraso – más renombrado.

“Estaba realmente involucrado en cada fase de la producción”, dijo John Canemaker, un animador ganador del Oscar y un historiador de animación en la Universidad de Nueva York, en una entrevista para este obituario en marzo. “Él creó una dirección de arte que nunca se había visto antes en la animación”.

En 2013 y 2014, el Sr. Wong fue el tema de “Water to Paper, Paint to Sky”, una importante retrospectiva en el Museo de la Familia Disney en San Francisco.

Desde las ventanas del museo, con vistas a la bahía de San Francisco, podía contemplar la isla Ángel, donde más de nueve décadas antes, como solitario de 10 años de edad, había tratado de ganar la admisión a un país que inflexiblemente no lo quería.

Wong Gen Yeo (el nombre es a veces Romanizado Wong Gaing Yoo) nació el 25 de octubre de 1910, en una aldea agrícola en la provincia de Guangdong. Desde niño pequeño, él ya exhibió un amor al dibujo y fue alentado por su padre.

En 1920, buscando mejores perspectivas económicas, Gen Yeo y su padre se embarcaron para Estados Unidos, dejando atrás a su madre y a su hermana. Gen Yeo nunca volvería a ver a su madre.

Se vieron obligados a viajar bajo falsas identidades -un estado de cosas conocido entre los inmigrantes chinos como un “hijo de papel” – con la esperanza de eludir la Ley de Exclusión de China de 1882.

Firmado en la ley por el presidente Chester A. Arthur, el acto, que redujo drásticamente el número de chinos permitidos para entrar en el país, fue una de las primeras leyes de Estados Unidos para imponer severas restricciones a la inmigración.

Pero en 1906, una brecha imprevista se abrió en la forma del terremoto y del fuego de San Francisco. Debido a que un gran número de documentos municipales, incluyendo registros de natalidad e inmigración, fueron destruidos, muchos chinos recién llegados capitalizaron la pérdida, sosteniendo que habían nacido en San Francisco antes del incendio.

Como ciudadanos de los Estados Unidos, tenían derecho a traer a sus familiares – o, en el caso de Gen Yeo y su padre, “hijos de papel” posando como parientes.

Atentos al engaño, los funcionarios de inmigración de Estados Unidos pusieron a las llegadas chinas a través de una inquisición formidable para asegurarse de que eran quienes decían ser.

Las preguntas llegaron como un tiroteo: ¿En qué dirección se enfrenta su pueblo? ¿Cuántas ventanas hay en tu casa? ¿Dónde está la papelera? ¿Qué tan grande es tu pozo? ¿Que profundo? ¿Hay árboles en su pueblo? ¿Hay lagos? ¿Qué tiendas puedes nombrar?

El pariente patrocinador fue interrogado por separado, y las respuestas tuvieron que coincidir. Para la nueva llegada, un error importante, o una serie de pequeños, podría significar la deportación.

Para tener una oportunidad de pasar, los aspirantes memorizaron expedientes rigurosos conocidos como papeles de entrenamiento. El interrogatorio resultante fue bastante difícil para los adultos. Gen Yeo, de diez años de edad, lo sufriría solo.

El 30 de diciembre de 1920, después de un mes en el mar, los Wong aterrizaron en la Estación de Inmigración de la Isla Angel. El anciano Mr. Wong viajaba como comerciante llamado Look Get; Su hijo como Look Tai Yow.

“La isla Angel es considerada como la isla Ellis de la costa oeste”, dijo Lisa See, autora de “On Gold Mountain” (1995), una crónica de no ficción de su familia chino-estadounidense, en una entrevista en 2016. Sin embargo, Ella continuó: “El objetivo era realmente muy diferente de Ellis Island, que se suponía que era muy acogedora. Angel Island se abrió muy específicamente para mantener a los chinos fuera “.

Debido a que el padre del Sr. Wong había vivido previamente en los Estados Unidos como Look Get, fue capaz de eliminar la Inmigración rápidamente. Pero como recién llegado, Gen Yeo fue detenido en la isla durante casi un mes, el único niño entre los inmigrantes que se encontraba allí.

“Me asusté a medias; Simplemente lloré “, recordó Wong en ” Tyrus “, un documental galardonado dirigido por Pamela Tom, que se estrenó en 2015.” Cada día es miserable, miserable. Odiaba ese lugar.

El 27 de enero de 1921, en presencia de un intérprete y un taquígrafo, el joven Gen Yeo, que se hacía pasar por Look Tai Yow, fue interrogado por tres inspectores. Su padre ya había sido interrogado.

Gen Yeo estaba bien preparado y respondió sin error. En Sacramento, donde se unió a su padre, un maestro de escuela americanizó “Tai Yow” a “Tyrus”, y se le conocía como Tyrus Wong.

Poco después, padre e hijo fueron separados una vez más, cuando el anciano Wong se mudó a Los Ángeles para buscar trabajo. Por razones que se han perdido con el tiempo, no pudo llevarse a su hijo. Tyrus vivió por su cuenta en una pensión de Sacramento mientras asistía a la escuela primaria.

Dos años más tarde – posiblemente más – Tyrus viajó a Los Ángeles para unirse a su padre, que había encontrado trabajo en una guarida de juego. Vivían en una pensión infestada de parásitos entre una carnicería y un burdel. Después de la escuela, Tyrus trabajó como camarero de casa para dos familias de Pasadena, ganando 50 centavos al día.

Su primer maestro de arte fue su padre, quien lo entrenó todas las noches en caligrafía, haciéndole pasar un pincel en el agua y trazar caracteres fantasmagóricos en el periódico: No podían permitirse el uso de tinta o papel de dibujo.

Cuando Tyrus estaba en la secundaria, un maestro, señalando su talento para dibujar, organizó una beca de verano para el Otis Art Institute de Los Ángeles.

Por su propia cuenta un estudiante indiferente en la escuela pública, Tyrus encontró su llamada en el instituto, ahora la universidad de Otis del arte y del diseño. Cuando terminó su beca, declinó regresar a la secundaria.

Su padre juntó la cuota de $ 90 – una pequeña fortuna – para dejarlo permanecer como el estudiante más joven de Otis.

Estudió allí durante al menos cinco años, trabajando simultáneamente como conserje de la escuela, antes de graduarse en la década de 1930. Poco después su padre murió, dejando al joven Mr. Wong completamente solo.

De 1936 a 1938, el Sr. Wong fue un artista para la Administración de Progreso de Obras, creando cuadros para bibliotecas y otros espacios públicos.

Con amigos, entre ellos el artista japonés-estadounidense Benji Okubo, fundó el Grupo de Artistas Orientales de Los Ángeles, que organizó exposiciones de trabajo de los miembros – un nivel inaudito de exposición para los artistas asiáticos de la época.

El Sr. Wong, recién casado y que necesitaba un trabajo estable, se unió a Disney en 1938 como un “intermediario”, creando miles de dibujos intermedios que traen a la vida secuencias animadas.

Los asiáticos eran entonces una novedad en los estudios de Hollywood, y el Sr. Wong se hizo muy consciente del hecho, primero en Disney y más tarde en Warner Brothers. Un compañero le lanzó un epíteto racial. Otro asumió a la vista que trabajaba en la cafetería de la empresa.

Luego hubo la afrenta del propio trabajo del intermediario: cuidadoso, repetitivo y para el Sr. Wong rápidamente aniquilante, es el trabajo de animación de la línea de montaje – “un uso terrible de su talento como paisajista y pintor , “Dijo Canemaker.

A finales de la década de 1930, cuando Wong aprendió que Disney estaba adaptando “Bambi, una vida en el bosque”, la novela de 1923 del escritor austriaco Felix Salten sobre un cervatillo cuya madre fue asesinada por un cazador.

Al tratar de animar el libro, Disney había llegado a un callejón sin salida. El estudio tuvo un gran éxito en 1937 con su película de animación “Blancanieves y los siete enanitos”, una producción barroca en la que cada detalle de los fondos – cada pétalo de cada flor, cada hoja de cada árbol – fue meticulosamente representado.

En un intento de usar un estilo similar para “Bambi”, encontró que los fondos ornamentados camuflaban los ciervos y otras criaturas del bosque sobre las que se centraba la narración.

El Sr. Wong espió su oportunidad.

“Yo dije, ‘Gee, esto es todo paisaje al aire libre'”, recordó en una entrevista en vídeo años después, añadiendo: “Yo dije, ‘¡Gee, yo soy un paisajista!'”

Invocando las exquisitas pinturas de paisaje de la dinastía Song (AD 960-1279), él hizo en acuarelas y pasteles una serie de escenas de la naturaleza que eran cambiantes, líricas y atmosféricas – a la vez exuberante y libre – con fondos sutilmente sugerido por un golpe o dos de pincel.

“Walt Disney se volvió loco por ellos”, dijo Canemaker, quien escribió sobre el Sr. Wong en su libro “Antes de que comience la animación: el arte y la vida de los artistas de dibujos animados de Disney” (1996). “Él dijo:” Me encanta esta calidad indefinida, la misteriosa calidad del bosque “.

El Sr. Wong fue promovido no oficial al rango de artista del bosquejo inspirado.

“Pero él era más que eso”, explicó Canemaker. “Él era el diseñador; Él era la persona a la que acudían cuando tenían preguntas sobre el color, sobre cómo poner algo. Incluso influenció en la música y los efectos especiales: sólo por el aspecto de los dibujos, inspiró a la gente. “

El Sr. Wong pasó dos años pintando las ilustraciones que informarían de cada aspecto de “Bambi”. A lo largo de la película terminada – prestó una calidad meditabunda por sus paisajes rígidos; Brumoso, paleta desaturada; Y figuras a menudo visto en silueta – su influencia es inconfundible.

Pero en 1941, a raíz de una amarga huelga de empleados ese año, Disney despidió al Sr. Wong. A pesar de que había decidido no hacer huelga – sentía que el estudio había sido bueno para él, dijo Canemaker – se dejó ir en medio del persistente clima de resentimientos después de la huelga.

En “Bambi”, el nombre de Mr. Wong aparece, muy lejos en los créditos, como un simple artista de “fondo”.

El Sr. Wong se unió a Warner Brothers en 1942, trabajando allí – y prestado en ocasiones a otros estudios – hasta su retiro en 1968.

Las indignidades que soportaba no se limitaban a los estudios. Tratando de comprar una casa, él y su esposa, la ex Ruth Kim, fueron informados de que cada propiedad que habían preguntado habían sido vendidas. “Luego en un mes volvería allí y el letrero seguía allí”, recordó Wong en “Tyrus”.

Después del ataque japonés a Pearl Harbor en diciembre de 1941, el Sr. Wong, como muchos chinos americanos, llevó a usar un botón en la solapa proclamando su herencia, por miedo a que un americano enojado lo golpeara en la calle.

La guerra dispersó permanentemente al joven grupo de artistas orientales. El amigo de Mr. Wong, el Sr. Okubo, fue enviado, con decenas de miles de japoneses norteamericanos, a un campo de internamiento.

“Si la Segunda Guerra Mundial no hubiera ocurrido cuando lo hizo, creo que estos artistas, incluso los artistas chinos-estadounidenses, tendrían más de un nombre que lo que hacen hoy”, dijo See. “Y eso es porque este pequeño movimiento que acababa de comenzar estaba dividido por la guerra”.

El Sr. Wong, que se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos en 1946, también diseñó tarjetas de Navidad para Hallmark y pintó elegantes diseños asiáticos en la vajilla, ahora buscados por los coleccionistas.

Un antiguo residente de Sunland, California, se convirtió en un renombrado fabricante de cometas diseñando, construyendo y pintando a mano creaciones asombrosas y volátiles – mariposas, golondrinas, rebaños enteros de búhos, ciempiés de más de 100 pies de largo – que rayaban el sur Cielo de California como la pintura en lona azul.

Durante los últimos 15 años de vida de Ruth Wong, cuando estaba enferma de demencia, el Sr. Wong abandonó su trabajo para cuidarla. Después de su muerte en 1995, poco a poco comenzó a hacer arte de nuevo.

En 2001, en el reconocimiento formal de su influencia en “Bambi”, el Sr. Wong fue nombrado una leyenda de Disney. El honor – cuyos recipientes anteriores incluyen Fred MacMurray, Julie Andrews y Annette Funicello – es concedido por la compañía de Walt Disney por las contribuciones excepcionales.

En 2003, una retrospectiva de su obra, comisariada en parte por la Sra. See, fue la exposición inaugural en el Museo Chino Americano en Los Ángeles. La retrospectiva de Disney, “Water to Paper, Paint to Sky”, viajó en 2015 al Museo de los Chinos en América, en el Bajo Manhattan.

La muerte del Sr. Wong, en su casa en Sunland, fue confirmada por la directora Tom. Sus sobrevivientes incluyen a tres hijas, Kay Fong, Tai-Ling Wong y Kim Wong; Y dos nietos.

Cuando sus hijas eran pequeñas, el Sr. Wong las animó a hacer arte, como su padre lo había animado. Sin embargo, no dejaría que tuvieran libros para colorear.

La razón era simple: no quería que sus hijos fueran obligados, dijo, por las líneas establecidas por otros.

Corrección: 31 de diciembre de 2016
Una versión anterior de esta historia identificó incorrectamente Guangzhou como el lugar de nacimiento de Tyrus Wong. Nació en la provincia de Guangdong, pero no se sabe exactamente dónde.

The New York Times